Richard Meier est né à Newark, New Jersey en octobre 1934 à Newark, New Jersey. Il est diplômé de l'Université Cornell en 1957 avec un baccalauréat en architecture et a ensuite travaillé avec une série d'architectes, y compris Skidmore, Owings, et Merrill et Marcel Breuer. Richard a établi son propre pratique dès 1963.

Ses bâtiments font un usage important de la couleur blanche. Sa pratique a inclus des logements et des résidences privées, des musées, des installations médicales et de haute technologie, des bâtiments commerciaux et des commissions civiques majeures comme les palais de justice et les mairies aux États-Unis et en Europe: parmi ses projets les plus connus, il y a le High Museum à Atlanta ; le Musée des arts décoratifs de Francfort en Allemagne; Siège de Canal + Télévision à Paris; le Hartford Seminary dans le Connecticut; l'Atheneun à New Harmony, Indiana, et le Bronx Developmental Center à New York. Tous ceux-ci ont reçu des National Honor Awards de l'American Institute of Architects (AIA).

En 1984, M. Richard Meier a reçu le prix d'architecture Pritzker, considéré comme la plus haute distinction du domaine et souvent assimilé au prix Nobel. La même année, M. Richard Meier a été choisi comme architecte pour la prestigieuse commande de conception du nouveau Getty Center à 1 milliard de dollars à Los Angeles, en Californie.

Richard Meier a maintenu une attitude spécifique et inaltérable envers la conception des bâtiments depuis le moment où Richard Meier est entré dans l'architecture. Bien que ses projets ultérieurs montrent un raffinement certain de ses projets antérieurs, Richard Meier a clairement écrit les deux basés sur les mêmes concepts de conception. Avec une constance et un dévouement admirables, Richard Meier a ignoré les tendances de la mode de l'architecture moderne et a maintenu sa propre philosophie de conception. Richard Meier a créé une série de designs saisissants mais liés. Richard Meier conçoit généralement des formes néo-corbusiennes blanches avec des panneaux émaillés et du verre.

Ces structures jouent généralement avec les relations linéaires des rampes et des mains courantes. Bien que tous aient un look similaire, Richard Meier parvient à générer des variations infinies sur son thème singulier.

Richard Meier, la figure principale des «New York Five», qui, dans la seconde moitié des années 1960, comprenait certains des leaders du mouvement post-moderne - Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves et Charles Gwathmey, crée conceptions avec un thème unifié basé sur les croyances néo-modernes en architecture puriste. Les pièces sculpturales blanches de Meier ont créé un nouveau vocabulaire du design pour les années 1980.

Les trois concepts les plus importants du travail de Richard Meier sont la lumière, la couleur et le lieu. Son architecture montre comment la géométrie simple, la définition en couches des espaces et les effets de la lumière et de l'ombre, lui permettent de créer des espaces clairs et compréhensibles.

Le principal problème sur lequel Richard Meier se concentre en tant qu'architecte est ce qu'il a appelé la placidité: «Qu'est-ce qui fait d'un espace un lieu.» Selon Richard Meier, il existe dix facteurs qui relient un bâtiment à son environnement, dont un ou plusieurs doivent être présents pour qu'un espace soit un lieu: les facteurs qui provoquent le mode d'être; ceux qui soulignent la présence du bâtiment comme objet indépendant; les facteurs qui soulignent la présence du bâtiment dans son environnement donné; ceux qui encouragent la fantaisie et le jeu; facteurs qui encouragent l'exubérance extatique; les facteurs qui préservent le sens du mystère et de l'aventure; ingrédients qui nous connectent à la réalité; ceux qui lient le bâtiment à son passé; faciliter les échanges spontanés; et affirmer l'identité des gens.

Sur la base de telles définitions théoriques, il est intéressant de voir comment l'espace se transforme dans l'architecture de Richard Meier, d'un jeu rationnel de formes à des formes transcendantales et quintessentielles encadrées et entrelacées dans le paysage. Surtout au vu de déclarations telles que: «Les lieux sont des buts ou des foyers où nous vivons les événements significatifs de notre existence, mais il y a aussi des points de départ à partir desquels nous nous orientons et prenons possession de l'environnement. Un lieu est quelque chose qui évoque en nous une notion de permanence et de stabilité.

L'Atheneum (1975-1979) est un centre de tourisme et d'information situé sur les rives de la rivière Wabash à la périphérie de la ville historique de New Harmony. Ici, le «sens du lieu» se réalise à travers une série d'expériences visuelles, physiques ou psychologiques qui établissent progressivement un rapport au passé, représenté par la ville historique. Les panneaux de porcelaine, le verre clair, le jeu constant d'épaisseur des murs, la largeur des vues, la hauteur des colonnes et des ouvertures qui s'interconnectent, le tout crée des façades dynamiques qui changent en fonction de l'expérience intérieure et extérieure du bâtiment.

Le séminaire de théologie de Hartford (1978-1981) dans le Connecticut est un bâtiment relativement petit (3,000 mXNUMX), qui comprend toutes les fonctions du campus initialement réparties dans divers bâtiments: l'église, le palais des congrès, la bibliothèque, la librairie, les salles de classe et l'administration. Bâtiment de spiritualité, les valeurs et caractéristiques intégrales de l'espace et de la lumière sont rayonnées sans fausses prétentions. En tant qu'institution religieuse introverse qui sert également la communauté, le bâtiment est basé sur une fine séparation entre l'espace public et privé.

La lumière filtrée, les formes épurées et les textures expressionnistes contribuent avec succès à doter une atmosphère plutôt sacrée sans perturber la vertu d'ouverture.

Son blanc n'est jamais blanc car il est soumis à des changements constants à travers les forces de la nature: le ciel, la météo, la végétation, les nuages ​​et bien sûr - la lumière. Cela est clairement décrit dans le High Museum of Art d'Atlanta (1980-1983) - un projet qui est devenu la marque de fabrique de Richard Meier à bien des égards - une manifestation classique de sa profonde allégeance à la blancheur. Une combinaison de compositions asymétriques de divers types de plans et de masses basés sur des murs transparents droits et curvilignes forme l'extérieur du bâtiment. Son atrium d'entrée au coin de l'un des quatre clusters présente un hommage et un mémorandum au musée Guggenheim. Contrairement à l'original, dans ce musée, une rampe majestueuse ne permet d'accéder qu'aux différents niveaux, tandis que les murs de l'atrium comprennent des fenêtres pour permettre une vue sur la ville apportant de la lumière naturelle.

La clarté spatiale et la diversité visuelle créent une hiérarchie claire des espaces, donnant au bâtiment une expression «classique», malgré son aspect asymétrique. La blancheur monastique de l'espace intérieur maintient la présence minimaliste de l'architecture en relation avec les objets exposés, tandis que la lumière naturelle provoque un intérieur en constante évolution.

Le Musée des Arts Décoratifs de Francfort (1979-1985) est une autre manifestation du sens de l'ordre historique de Richard Meier. Ici, Richard Meier transforme le plan d'une villa Melzer du XIXe siècle en un complexe public, renforçant le lien avec le contexte historique unique. Composé de deux grilles inclinées, le plan équilibre les écarts du bâtiment d'origine par rapport à la rivière.

Le choix de la lumière et du blanc de Richard Meier correspond au caractère ouvert de l 'espace. Pourtant, contrairement à l'utilisation de la lumière dans l'architecture classique ou de la Renaissance, dans ce bâtiment, le schéma d'éclairage spirituel d'un personnage baroque est adopté. Ici encore, l'illumination n'est pas seulement perçue comme un événement visuel, mais plutôt comme un phénomène émotionnel et même spirituel. La lumière et la couleur ne font pas seulement ressortir les propriétés structurelles et fonctionnelles du bâtiment, mais appellent également une réponse esthétique, créant une atmosphère unique, qui génère des émotions positives. Ainsi, le dialogue continu entre le bâtiment, son environnement et son fonctionnalisme essentiel, acquiert un sens didactique.

Situé sur une colline au-dessus de Santa Monica, à Los Angeles, le Paul Getty Center (1984-1997) est l'œuvre la plus complète de Richard Meier, mais néanmoins une preuve du déclin final du post-modernisme. Cependant, certains diront que ce projet ostentatoire rappelle la beauté intemporelle des villas et des jardins italiens du XVIe siècle, peut-être celle de la villa d'Hadrien à Tivoli.

Le choix des matériaux de Richard Meier dans ce complexe est assez atypique. Bien que la structure soit claire et déchiffrable, elle est complexe en plan et trop riche en texture. Le jeu des volumes et des proportions, qui se manifeste dans la cascade de terrasses et de balcons, le flux de rampes, de galeries, d'arcades et d'escaliers, tisse le jeu de la nature et de l'architecture, tout en reflétant l'affinité pour l'architecture classique.

Ainsi, on peut conclure que le Getty Center dépeint trois points clés qui caractérisent une bonne architecture: l'interaction, la cohérence et l'unité. La qualité architecturale est ressentie lorsque «l'architecture peut être utilisée pendant une longue période, lorsqu'elle vieillit magnifiquement, qu'elle est originale, compréhensible et simple à utiliser».

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